Aina Lanas y Valentina Azzati quieren que miremos a las gogós con la misma atención que dedicamos a cualquier otra profesional de la danza. Por eso las sitúan en el centro de À GOGO, la creación que presentan del 4 al 6 de diciembre en el Mercat de les Flors bajo el nombre de We Are Novias (WAN). El dúo, que la temporada pasada estrenó allí You Are Not A Ghost, trabaja con un equipo que incluye gogós en activo para explorar su maestría, las exigencias del oficio y todo aquello que queda fuera de la mirada del público. Hablamos con ellas sobre quién decide qué es danza, los prejuicios que pesan sobre estos cuerpos y el reto de llevarlos de la noche al escenario.
Teatre Barcelona: ¿Qué os llevó a crear We Are Novias?
Aina Lanas: Ya habíamos trabajado juntas en otros proyectos y nos dábamos cuenta de que coincidíamos en muchas decisiones creativas. Teníamos referentes en común y compartíamos reflexiones sobre el cuerpo, la estética, la música y la escena. Decidimos darle un paraguas propio a todo eso. Con la excusa de un solo que yo presentaba en el Festival Hop, empezamos a desarrollar lo que después sería You Are Not A Ghost. Ahora ya nos sentimos un dúo creativo, una compañía con un sello desde el que podemos pensar nuevas creaciones.
¿Y cuál es ese sello?
Valentina Azzati: Un punto de encuentro entre la visión coreográfica y la puesta en escena. Nos interesa un cuerpo poco academizado, con un deseo de bailar muy particular, que encontramos en las danzas urbanas, las folclóricas y otras maneras de acercarse a la danza. Al mismo tiempo, la iluminación, el vestuario y el espacio son igual de importantes a la hora de componer. Hay una relación con las artes plásticas y un tratamiento del cuerpo muy meticuloso, obsesivo y quirúrgico.
Aina: Somos bastante obsesivas con los detalles. Necesitamos que cada decisión esté equilibrada con el resto. A veces miramos algo y reaccionamos a la vez, porque las dos detectamos lo mismo. Diría que la alquimia y la precisión quirúrgica nos definen bastante.
“Cuando veo a una gogó, me paso buena parte del tiempo mirando cómo se mueve, cómo actúa y cómo se comporta”
¿Por qué os fijáis en la figura de la gogó?
Aina: Precisamente porque representa esa danza no academizada. Mucha gente ni siquiera la considera danza. Si hablas con gogós actuales, a menudo aparece una división: o soy bailarina o soy gogó. ¿Por qué existe esa separación? ¿Porque no se las asocia a una técnica concreta? Nosotras vemos una técnica muy concreta en lo que hacen: la resistencia, la capacidad de beber de muchísimos referentes y ponerlos en juego. Hay una maestría y un saber hacer que nos interesan. Yo, cuando voy a un club y hay una gogó, me paso buena parte del tiempo mirando cómo se mueve, cómo actúa y cómo se comporta. También tuve cierta experiencia como gogó a principios de los dos mil. Vemos mucha potencia de baile en esta figura.
Valentina: Es una figura muy invisibilizada, que suele acompañar a otros protagonistas del club. Nos llamaba la atención que un cuerpo tan anónimo y periférico tuviera un papel tan importante dentro de la fiesta: encender el fuego del baile y garantizar que no se apague. Leer la pista y entender cómo contagiar las ganas de continuar es un trabajo muy específico y sutil. Nuestro primer objetivo era poner esta figura en el centro y hacer que, por un momento, todo el mundo mirara solo eso.
¿Eso también cuestiona qué reconocemos como danza profesional?
Valentina: Sí. ¿La gogó forma parte del circuito profesional de la danza o no? ¿Por qué algunos lenguajes entran y otros no? También nos interesa su relación con el vestuario, la iluminación y el espacio. Los podios son un elemento escenográfico muy particular: suelen trabajar en altura, en jaulas o colgadas del techo. Todo eso tiene una mística y una técnica detrás.
Aina: Queremos que ese cuerpo se mire también profesionalmente, que se le reconozca la capacidad de decidir sobre lo que hace y que no se lo menosprecie por el estigma que lleva encima.
Cuando pensamos en una gogó, a menudo aparecen la cosificación y la hipersexualización. ¿Cómo abordáis esa mirada?
Valentina: La hiperexposición forma parte de su trabajo, pero la sexualización o la cosificación a menudo vienen de fuera. Tenemos a varias personas en el elenco que actualmente trabajan como gogós y nos explican cómo gestionan esa mirada, que no necesariamente es la que quieren provocar. Tienen que seguir bailando y, al mismo tiempo, protegerse de personas que las miran de una manera poco respetuosa. Es un conflicto que ocurre, pero que no define necesariamente el trabajo de la gogó.
Aina: También hay una reapropiación de ese lugar. Subir ahí y defender lo que haces requiere mucha seguridad y mucha pluma. Nos interesa reconocer la legitimidad de ese cuerpo y de su trabajo.
“Hay sitios donde importa más el baile que aportas a la pista que tu identidad de género”
¿La figura ha cambiado con los años?
Valentina: Sí, y también han cambiado los códigos con los que la leemos. Si miras los movimientos de las gogós de los sesenta, quizá hoy no te parecen nada hipersexualizados, pero en aquel contexto se podían leer así. Todavía hay espacios donde se eligen unos cuerpos por su imagen y por un canon estético concreto, como también ocurre en la danza. Pero, por suerte, hay lugares donde importa más el baile que aportas a la pista que tu identidad de género. Nosotras hemos elegido a las intérpretes más por eso que por su imagen.
Aina: Por su maestría en la relación con el baile, el público, la música y la ropa.
¿Cómo trasladáis esa energía del club a un teatro?
Valentina: No queremos representar un club ni que el público venga necesariamente a vivir una experiencia de club. Extraemos elementos vinculados a la gogó y los ponemos dentro de una caja negra teatral. La referencia está todo el tiempo, pero es más espacial, arquitectónica y musical que narrativa.
Aina: Lo que nos interesa, en primer lugar, es la danza de la gogó. No se trata tanto de venir de fiesta como de ver un cuerpo que tiene mucho bagaje y mucho mérito dentro de la danza.
¿También mostráis lo que pasa cuando baja del podio?
Valentina: Investigamos la cara B de sus movimientos, los que no se ven en el club: pasar de un camerino a otro, recorrer un pasillo para llegar a un podio, cambiar de espacio… Hay toda una organización de tiempos y rotaciones.
Aina: Son noches largas. Puedes pasar la mitad del tiempo en el camerino, salir, volver, cambiarte la peluca o el maquillaje. Estás toda la noche preparada hasta que te toca volver a salir: bailas quince minutos, descansas treinta… Todas esas variables también forman parte de la investigación con los cuerpos de las intérpretes.
¿Qué os gustaría que se llevara el público?
Aina: Exuberancia. Tenemos un equipo que impacta, con cuerpos que sudan, que se mueven con mucha energía y que defienden la pieza a fondo.
Valentina: Y quizá la posibilidad de ver la otra cara de la gogó, la persona que hay detrás. Habitualmente es una figura sin nombre, sin voz, de quien no conocemos las experiencias personales. Algo de eso también puede aparecer.
¿Qué riesgo asumís al llevar esta propuesta al Mercat de les Flors?
Aina: El de trabajar con personas que no están vinculadas habitualmente a la institución y a sus modos de funcionamiento. Hay intérpretes con experiencia en producciones y otras que no la tienen, y el equipo ha trabajado increíblemente. También hemos elegido a una DJ como Meritxell de Soto para hacer la música y a colaboradoras como Luisina Sánchez, vinculada al estilismo y al vestuario. Traemos a gente de otros mundos a trabajar juntas y a descubrir cómo hacemos camino con esta pieza.
Valentina: Estamos haciendo una pieza de teatro con elementos que no provienen del mundo teatral. Eso genera un tono muy particular y puede aportar algo nuevo a este espacio y a la gente que conoce su programación.
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