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En varias entrevistas, la autora describe su creación como una pequeña historia. Una historia “con h minúscula”, dice. No se la crean. Seguramente se refiere a que la historia es particular, una de tantísimas vivencias que los tiempos han forzado a escribir. Pero es que con ella puede leerse el mundo. Se trata de un viaje en el tiempo y en la memoria, una fuga perpetua que se convierte en legado familiar y, al mismo tiempo, herida colectiva.

La tercera fuga, escrita y dirigida por Victoria Szpunberg, es una producción del Teatre Nacional de Catalunya, con la colaboración dramatúrgica de Albert Pijuan, se inspira en vivencias reales de la propia autora para construir una ficción de gran alcance sobre la memoria, el exilio y la supervivencia.

La historia sigue el recorrido de tres generaciones de una familia judía obligada a huir en tres momentos clave: la Ucrania soviética de los años veinte, postrevolucionaria, Argentina de la dictadura militar a los setenta, años de plomo, y, por último, la Barcelona del siglo XXI Tres generaciones, tres geografías,, yiddish, ucraniano y ruso) que se entrelazan en una coreagrafía verbal donde la lengua se convierte en refugio y frontera. Intervienen diferentes disciplinas artísticas para crear una experiencia escénica que apela tanto al pensamiento como a la emoción.

Las músicas, inspiradas en sonoridades de raíz como el klezmer y el tango, acompañan a la acción dramática en todo momento, en directo.

Destaca la fluidez de la puesta en escena. La transición entre épocas y espacios se articula con una escenografía modular y dinámica espectacular, que refuerza la narrativa. la escenografía, juega un papel clave en cada escena.

Todo el conjunto de actores y actrices contribuyen a hacer sólida la propuesta. Destaca la Clara Segura, que, como actriz principal de la obra, sublima cada uno de los personajes que aborda, y lo hace participando de forma coral, haciendo crecer el conjunto. escenas. Consigue que la muerte se convierta en una sombra permanente, enigmática… La Magalí Sare ofrece emotividad con su interpretación, dominio melódico y seguridad en escena. para reflejar experiencias de exilio y resistencia.

Una obra imprescindible por el texto y la puesta en escena, que explica el instinto autodestructivo insaciable de la humanidad y la forja de identidades a través del paso del tiempo y de resiliencias casi heroicas.

Victoria Szpunberg ya nos sorprendió la temporada pasada con L’imperatiu categòric, y ahora hace unos tres años con El pes d’un cos, pero la autora catalano-argentina de ascendencia judía lleva ya más de 25 años escribiendo y estrenando textos por nuestros escenarios. Ahora le ha tocado estrenar en uno de los espacios más temidos por muchos autores y directores: la Sala Gran del TNC. Las dimensiones del escenario, de la sala, los recursos técnicos y también las expectativas puestas en cada estreno imponen de lo más. Pero justo es decir que el resultado ha sido más que satisfactorio, sobre todo porque la autora ha dejado de lado su estilo más íntimo para explicarnos una historia grandiosa en tres partes. De hecho, la historia (inventada o vagamente inspirada en la realidad) de su propia familia.

Todo empieza con una danza de la muerte, y con un maestro de ceremonias (excelente trabajo de Ton Vieira) que nos adentrará en la familia de la autora del texto. Todo con muchas referencias metateatrales y un humor que pronto se mezclará con el drama. Y ya enseguida nos encontraremos en Berditxiv (Ucrania), a principios del siglo XX, donde está a punto de celebrarse la boda de unos antiguos parientes… Un acto marcado por la amenaza de la guerra, que nos conecta inevitablemente con nuestro presente. Y ya después marcharemos hacia Argentina, donde llegan refugiados dos de los familiares ucranianos. Aquí entraremos en el acto más dramático y temáticamente más complejo; un acto realmente emotivo que nos remite, también inevitablemente, al momento actual con todas las referencias al auge del fascismo y los estragos de la dictadura de Videla. La tercera parte –o la tercera fuga, según se quiera ver- nos llevará hasta Cataluña, en el que será el acto más cómico y ligero… al menos al inicio. Quizás no es la mejor parte de todas, pero el texto está muy bien ligado y el final –aunque un poco impostado- es tan impactante que enseguida convence a los espectadores. Hacer levantar a casi toda la platea del TNC no es tarea fácil, y la obra de Szpunberg lo consigue casi cada noche.

Hay que valorar la estructura de un texto que te atrapa enseguida y no te suelta en sus casi tres horas de duración. Un trabajo enorme de la autora –conjuntamente con Albert Pijuan– que también se luce en la parte de dirección. Y es que mover un engranaje como este con aparente facilidad y sin excesivos artificios también es de mérito, aparte de que consigue uno de los trabajos interpretativos de conjunto más interesantes y cohesionados de los últimos años. Ver como los actores y actrices –con Clara Segura al frente- pasan del catalán al argentino con tanta naturalidad es realmente admirable, pero la mezcla de músicos e intérpretes también resulta gratificante, hasta el punto que el momento del tango Cambalache acaba siendo uno de los puntos álgidos de la pieza.

Para finalizar, destacar el trabajo escenográfico, el vestuario, la iluminación, el espacio sonoro… Un trabajo técnico impecable que esta vez va de la mano de la historia, y ni la entorpece ni la ahoga.

La identidad de una persona siempre ha sido un motivo de reflexión, debate político y polémica social. ¿Qué conforma la identidad? ¿Los orígenes? ¿La confesión religiosa? ¿El apellido familiar? ¿A quién le importa dejar constancia exacta de este factor que forma parte de una persona? Aquello que realmente necesita el ser humano es tener un sentimiento de pertenencia, quiere sentirse conectado a un legado que explique su presente y le de sentido a su vida.

En La tercera fuga Victoria Szpunberg hace un repaso por los 100 años de historia de una familia marcada por el exilio en tres épocas concretas. Tres generaciones que han dejado su vida y familia atrás, Ucrania en 1920, Buenos Aires en 1970 y Barcelona en 2020.

Szpunberg con Albert Pijuan presentan una historia hilada con orfebrería, con un ritmo constante que atrapa al público y hace pasar por casi tres horas de relato como si fuesen un pequeño inciso teatral. Con un lenguaje director i llano, el texto expone hechos tormentosos, que afectan la vida y dejan un pósito para siempre, y lo hace de manera sencilla para que la espectadora lo entienda y se sumerja del todo en el viaje que propone. Una maravilla de dramaturgia que sacude la mente y el alma, que acerca al público a la vida de los personajes y los acompaña hasta el final.

El casting de esta obra es espectacular, cada intérprete va mudándose de piel a medida que va cambiando de personaje con respeto y honestidad. La elección del reparto es precisa para relatar esta historia, hay un trabajo excelente en escoger cada una de las personas que dan vida a esta narración. Los y las intérpretes son excepcionales y se nota el trabajo en naturalizar sus diálogos y adquirir los matices necesarios para dar verosimilitud a su discurso -así como los acentos que desarrollan de manera magnífica-. Destacar a alguien no sería adecuado, pero si debería poner el foco en Ton Vieira, el narrado de esta obra, que es uno de los grandes descubrimientos de esta producción.

La escenografía de Max Glaenzel y Sílvia Delagneau es impresionante, no busca una grandeza que haga sombra a la historia, si no que ayuda a contextualizar al público con los espacios más importantes de este relato. El diseño de sonido e iluminación son excepcionales y crean un marco con una sonoridad y visualización perfecta para que no se pierda ni un detalle de aquello que se está explicando. De la misma manera, los efectos creados para dar fuerza a la narración envuelven de manera sublime y demuestran una dirección excepcional de Szpunberg.

Es una experiencia imprescindible que marca un antes y un después al espectador/a que la ve, que aproxima al teatro una gran historia relatada de manera abrumadora.

El texto es de Victoria Szpunberg con la colaboración de Albert Pijoan. Ella asume la dirección y hay que remarcar que es la primera directora que dirige su propio texto en el TNC. Es un texto sobre su familia con elementos ficcionados y teatralizados. Se trata de la saga de una familia judía de apellido Shprigelburd que con el paso de las fronteras acaba convirtiéndose en Szpunberg.

Está organizada en tres actos sin entreacto y, sorprendentemente, es amena y no se hace larga. La primera parte comienza en Berdyciv, cerca de la actual Kiiv (Ucrania) en los años 20 del siglo pasado, en un lugar donde vivían sus bisabuelos. El inicio ya nos prepara para lo que será una historia dura, de exilios forzados, de pérdidas y separaciones pero aliñada con toques de humor, canciones, mucho movimiento y cambios de escenografía obligados por el texto.

La segunda se desarrolla en Argentina en los años 70 con la dictadura del general Videla y la tercera en Cataluña actual, concretamente en Verges de donde se han inspirado para crear la danza de la muerte con la que comienza y termina la obra y de la que el narrador, un maravilloso Toni Vieira hablando en catalán y portugués, lleva la indumentària de dicha danza. Él es el hilo de unión de las tres obras, baila y juega como el maestro de ceremonias de Cabaret. Es una obra circular. Cada una de las escenas comienza con una fiesta y termina con la fuga. Son tres obras dentro de una obra inmensa, cuyo engranaje se debe a la cuidada escenografía de Max Glaenzel y Sílvia Delagneau y el milimetrado movimiento escénico de Maria Cabeza de Vaca.

Las dos escenas más cómicas son los pasos de las fronteras en las que juegan con la incomprensión de las autoridades de las fronteras y las pocas ganas de solucionar el problema de los exiliados. Son cómicas y al mismo tiempo más complicadas emocionalmente. El asesoramiento lingüístico es perfecto. Deja sin palabra al público la capacidad de aprender a hablar el hebreo o el argentino de los y las intérpretes catalanes. Hay un trabajo inmenso del hebreo por parte de Golda ven der Meer y del argentino por parte de Romina Cocca.

Un trabajo coral en el que 13 actores y actrices interpretan a unos sesenta personajes, todos ellos y ellas, espléndidos con todas las dificultades que supone el cambio de vestuario, colocarse de repente en una lengua diferente, ayudar a los cambios escenográficos, etc.

La música es también identitaria. Quiero destacar el tango “Volver con la frente marchita“, adaptada al catalan y cantada por Magalí Sare, una de las actrices, con la que el público alcanza el máximo de las emociones

Es una obra ágil con una mezcla precisa de ingredientes, una combinación perfecta de drama, ironía, ternura y humor, un humor necesario para aliviar la tensión que crea la obligación de huir de su casa que todo el mundo, de lejos o de cerca ha vivido.